Siempre ser esa luz que le da paso a cada momento, disfrutar de los pequeños instantes que quedan reflejados en nuestros corazones. Si en algún momento la luz roja te detiene, no pierdas la paciencia, la verde viene enseguida.
S.Go <3
miércoles, 13 de julio de 2011
Explorando nuevas Técnicas...
Dentro de la fotografía existen diversas formas de composición, estas en un solo conjunto forman las Cualidades del Sujeto, que nos ayudan a captar el momento indicado de la toma & así crear fotografías excelentes.
Ritmo
Textura
Su consistencia se basa prácticamente en la superficie de una fotografía, nos da esa sensación de tacto y deleita nuestro ojo.
Forma
Simplemente un pequeño fragmento de algún objeto nos da la idea de lo que significa, no es necesario captarlo completo para entender su significado.
Línea
Estas son las más sencillas y fáciles de captar, puesto que están por doquier, le dan dirección, profundidad y dirección al ojo del espectador. Simplemente guía nuestra pupila.
Espejo-Reflejo
Algo que facilita muchísimo esta técnica es en los días nublados, puesto que los charcos nos hacen un gran favor. Prácticamente como su nombre lo indica se basa en reflejar algún objeto, y al mismo tiempo captar la realidad.
Richard Avedon
(Nueva York, 1923) Fotógrafo estadounidense. Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros.
Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva.
Conociendo un poco más...
Esta vez mostrare un poco más de algunos de los fotógrafos mas reconocidos y de suma importancia, ya que su trabajo tiene algo sumamente especial, sutil e interesante.
JOEL PETER WITKIN
Joel-Peter Witkin (Nueva York, 1939) fue técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo oficial de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en 
La fascinación de Witkin por lo macabro habría surgido cuando, a los 6 años, presenció un accidente automovilístico en el que la cabeza de una niña rodó a sus pies. Sus primeras fotografías las hizo a los 16 para su hermano gemelo Jerome, pintor, en una feria: monstruos y un hermafrodita con el que habría tenido su primera experiencia sexual. Estudió escultura, trabajó en un taller de revelado, se alistó en el ejército como fotógrafo y fue maître de un restaurante hasta que a principios de los 80 su obra pasó repentinamente a ser codiciada.
Su artista favorito es Giotto. También tuvo acercamiento al arte de Arcimboldo, el Bosco y Goya, pero la más obvia influencia artística en su trabajo es el Surrealismo ( sobre todo Max Ernst ) y el Arte Barroco, además que su obra recuerda mucho a los primeros Daguerrotipos. Pero Witkin (que a pesar de sus detractores y hasta de la censura política, es hoy uno de los fotógrafos "mayores") ni es un loco ni es un provocador sin más.MICHIKO KON
Fotógrafa japonesa, nació en 1955 en Kanagawa. Su trabajo es muy parecido al de Witkin. Realizo sus estudios en DUANNE MICHALS
“Me gusta la ironia”
Nacido en Mckeesport, Pensilvania EEUU en 1932, Duane Michals propone una estetica que coquetea con el surrealismo de Magritte, con un universo que se sitúa en la frontera entre la realidad y la ficción. De hecho, casi siempre sus imágenes se construyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y su rostro. Sus comienzos revelan la gran influencia de Atget en la fotografía norteamericana con escenarios recurrentes como los restaurantes, salas de espera o recepciones de hotel, pero en 1966 comienza a hacerse con un estilo propio y único a través de la técnica de la secuenciación: una sucesión de fotografías como forma de contar historias con, incluso, un desarrollo temporal. Una técnica que perfiló aún más en sus trabajos a mediados de la década de los 70 al incluir pequeños manuscritos en las copias para reforzar su significado.
HIROCHI SUGIMOTO
Nacio en 1948,fotógrafo japonés radicado en Nueva York. Sugimoto comenzó su trabajo con "Dioramas" en 1976, continuó con "Portraits" en 1999.Su fotografía "Boden Sea" ha sido elegida por U2 para que sea portada de su disco No Line on the Horizon. Su obra aparece con frecuencia como series y su estilo se puede considerar minimalista y conceptual. En el 2001 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad por su obra.
JOSEPH KOUDELKA
Nació en una diminuta aldea Moravia en 1938 y durante su adolescencia comenzó fotografiando a su familia y sus alrededores con una cámara de Bakelite 6×6.Estudió en 
desnacionalizado, huyo como refugiado a Inglaterra. Después de nacionalizarse francés en 1987, Koudelka volvió a Checoslovaquia por primera vez en 1990 y 1994, fue invitado por el productor alemán Eric Heumann, para trabajar como asistente de imagen en la película; La Mirada de Ulises dirigida por Teo Angelopoulos, viajando con la tripulación por Grecia, Albania, Rumania y la ex-Yugoslavia hasta la muerte de Gian Maria Volonte, un actor clave en la película.
HELMUT NEWTON
El fotógrafo de la mujer
Uno de los grandes fotógrafos que nos ha dejado el Siglo XX. Artista sin igual; ha impregnado en cada una de sus fotografías un sello original y distinto que permite diferenciar su trabajo del de cualquier otro artista.
Nace en Berlin en 1920, en el seno de una familia pudiente judía. Con la llegada de Hittler al poder y la persecución contra los judíos tiene que salir del país y hace una primera parada en Singapur, donde trabaja como fotógrafo en un diario.
Las inquietudes artísticas ya habían brotado en el joven Newton, quien hizo sus primeros pinitos en la fotografía con tan sólo 12 años.
En Singapur comienza su carrera fotográfica, pese al desacuerdo de su padre. De allí es deportado a Australia. En la isla pasará una temporada en un campo de internamiento por sus orígenes judíos y la influencia nazi pero más tarde, en los últimos años de Se va a Londres para aprender más del campo de la moda y dos años después se traslada a París, donde trabajará para revistas de la talla de Vogue o Elle y vivirá la mayor parte de su vida. Es en París donde su carrera profesional sube como la espuma en éxito y calidad y empieza a ser reconocido por todo el mundo, principalmente como fotógrafo de moda.
El trabajo de Newton es característico. Si bien la parcela de la moda es la más conocida, sus fotografías no sólo se quedan en bellas modelos y ambientes lujosos. El talento de Newton va más allá. El aura de elegancia y sobriedad impregna el acetato del alemán, aficionado al desnudo y a la seducción femenina. Siempre ha sido un enamorado de la belleza de la mujer y ha sabido plasmarla como nadie. Falleció a los 83 años pero siempre nos quedará su legado, sobre todo con la mujer.Fuente:
http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/duanemichals.htm
http://chequia.cz/josef-koudelka.php
Tipos de Objetivos en Fotografía
Ojo de pez
Se denominan objetivo ojo de pez a aquellos cuyo ángulo de visión es extremadamente grande, de 180 grados o más. El objetivo ojo de pez es una forma especial de súper objetivo gran angular, cuya distorsión (deliberada) se asemeja a una imagen reflejada en una esfera.
La distancia focal de estos objetivos suele ser muy corta (entre 4,5 y 17mm).
Gran Angular
Estos objetivos son ideales para fotografiar un área muy extensa de un paisaje o cualquier plano de grandes extensiones que se encuentre delante del objetivo.
El ángulo de visión que alcanza este objetivo es superior al de los 45º .Ofrecen una mayor profundidad del campo.
Objetivo Normal
Consideramos objetivos normales los que van desde los 35mm y de los 
Se caracterizan por la poca distorsión y la naturalidad que ofrece en la perspectiva, excepto en la toma fotográfica realizada desde muy cerca. Estos objetivos a su vez son muy luminosos. La imagen una vez se encuentra impresa en la película, se acerca mucho a la real.
Fuente:
http://www.fotonostra.com/fotografia/objetivoangular.htm
Técnicas Fundamentales de Composición Fotográfica
Centro de Interés
Al mirar por el visor busque el tema central de la foto, se le llama: punto focal o centro de interés. La foto sale generalmente mejor si el punto focal se coloca ligeramente a un lado (ver más abajo los temas: retención del enfoque y regla clásica de la composición).Rellenar el Encuadre
Una efectista técnica de composición es llenar el encuadre con el protagonista de la imagen. Se trata de eliminar cualquier otro elemento o espacio negativo que pueda distraer o debilitar el protagonismo del sujeto.Regla de Tercios
Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y espaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes o bodegones.
Regla de Dirección
La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerrar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.
Ángulo de Toma
Es el ángulo cubierto por un objetivo. En una cámara de 35 mm., el objetivo normal de 50 mm. cubre un ángulo de unos 45º, más o menos equivalente al de la visión normal humana.
Se entiende por normal el ángulo sobre el que los ojos ven una imagen enfocada: el ángulo realmente cubierto por la visión humana es de 150º -170º, pero los objetos de la periferia aparecen indistintos. Subjetivamente, el ángulo parece mayor que el de un objetivo normal, pero ello se debe a que los ojos se mueven continuamente y el cerebro procesa la información y recrea una panorámica general; mirar con la fijeza de un objetivo es completamente innatural.
Un objetivo de 18 mm. tiene un ángulo de toma de unos 73º y de alrededor de 20º un 135 mm. Este ángulo puede expresarse más científicamente como el subtendido por la diagonal del plano focal o de la película en el punto nodal posterior del objetivo. Así, cuanto mayor sea el formato del negativo, mayor será el ángulo de toma para cualquier longitud focal.
Por ejemplo: en una cámara de gran formato, un 50 mm. es en realidad un gran angular, y en una cámara que use película en rollo de formato 120 el objetivo normal tiene alrededor de 80mm. De la misma forma, el objetivo normal de una cámara de formato 110 tiene una longitud focal de unos 24 mm.
Se entiende por normal el ángulo sobre el que los ojos ven una imagen enfocada: el ángulo realmente cubierto por la visión humana es de 150º -170º, pero los objetos de la periferia aparecen indistintos. Subjetivamente, el ángulo parece mayor que el de un objetivo normal, pero ello se debe a que los ojos se mueven continuamente y el cerebro procesa la información y recrea una panorámica general; mirar con la fijeza de un objetivo es completamente innatural.
Un objetivo de 18 mm. tiene un ángulo de toma de unos 73º y de alrededor de 20º un 135 mm. Este ángulo puede expresarse más científicamente como el subtendido por la diagonal del plano focal o de la película en el punto nodal posterior del objetivo. Así, cuanto mayor sea el formato del negativo, mayor será el ángulo de toma para cualquier longitud focal.
Por ejemplo: en una cámara de gran formato, un 50 mm. es en realidad un gran angular, y en una cámara que use película en rollo de formato 120 el objetivo normal tiene alrededor de 80mm. De la misma forma, el objetivo normal de una cámara de formato 110 tiene una longitud focal de unos 24 mm.
LíneasLas líneas son un elemento dentro de una fotografía, tanto así que aprendiendo a utilizarlas correctamente puedes agregar un efecto dinámico a tu imagen, además de que guían al espectador hacia el elemento principal de tu captura.
Líneas HorizontalesEstas son las más tradicionales y fáciles de hallar, hay algo en ellas que transmite una sensación de estabilidad e incluso de serenidad.
Líneas Convergentes
Este tipo de líneas, llevan al espectador hacia un fuento en especial, depende mucho de la posición en que tomemos la foto, pues esto le da mas interés.
ISO / ASA
El ISO, antes conocido como ASA es la sensibilidad que puede tener una película o un sensor a la luz.
Las cámaras digitales tienen un rango de ISO que normalmente va de 100 a 400, pero en cámaras profesionales podemos encontrar rangos de ISO 50 a 3200.
Entre mayor sea el número significa que la cámara necesita menos luz para tomar una foto, es decir, una foto que normalmente no se podría tomar con ISO 100 por falta de luz, se puede tomar si utilizamos un ISO 400.
Fuente
Primeros Ejercicios Fotográficos
Barridos:
El barrido en una fotografía es una técnica que consiste en crear la sensación de movimiento dejando estático el elemento central o el fondo y correr o barrer el otro. Técnicamente se obtiene este efecto dando prioridad a la apertura: Se cierra el diafragma y compensamos la velocidad a la toma.Congelado
Esta técnica consiste como su nombre lo indica, en congelar a un sujeto que se encuentre en movimiento. Para lograr un congelado debemos tener nuestra cámara en bulbo de 500 hacia arriba.Primer Plano
Esta técnica en lo personal es de las más sencillas, pues consiste en enfocar la parte más próxima a la cámara, nos puede ayudar a obtener imágenes espectaculares o simplemente enfatizar y enriquecer nuestra imagen.
Consiste en enfocar detrás de un primer plano, mas al fondo de lo que se desea retratar dejando fuera de foco el fondo y el primer plano.
Profundidad de Campo
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